El foco central de la Bienalestá constituído por imágenes realizadas por mujeres de 40 países, en el marco de las ediciones 1 y 2 del Premio Julia Margaret Cameron para mujeres fotógrafas (La Mujer detrás de la Cámara) que organizó The Worldwide Photography Gala Awards (WPGA) en 2010 y 2011.La Bienal se complementa con obras seleccionadas en los Premio Pollux y Premios Jacob Riis, también instituidos por The Worldwide Photography Gala Awards, entidad que organiza esta bienal.

Por el número y calidad de obras (310 obras de 220 artistas de 40 países), así como por la excelencia de los jurados de selección, la Bienal será sin duda uno de los eventos de arte fotográfico más importantes de América Latina. La primera edición dela Bienal se realizó en junio de 2010 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con la exhibición de 160 obras procedentes de 5 países. En esta ocasión participan 39 países y 220 expositores.

  Fotógrafos y jurados de lujo

Las fotografías que se exponen fueron seleccionadas por algunos de los especialistas más importantes del mundo. Los jurados de los Premios Julia Margaret Cameron han sido: Mary Ellen Mark; Kim Weston; Alessandra Sanguinetti (Magnum); Olivia Arthur (Magnum); Carol McCusker (Curadora del Museo de Fotografía de San Diego); Rossana Checchi (editora en jefe dela Revista ZOOMde Italia); y Vanessa Winship.

Nombres igualmente ilustres fueron jurados en los Premios Pollux y Jacob Riis: Chris Steele Perkins (presidente de Magnum de1993 a1996); Susan Zadeh (editora en jefe dela Revista EYEMAZINGde Holanda; Larry Padgett (fundador del Center for Fine Art Photography); Brooks Jensen (editor en jefe de Lenswork); Reid Callanan (director de Santa Fe Workshops); Per Valentin (Presidente dela Asociaciónde Fotógrafos de Dinamarca); Philip Brookman (curador en Jefe dela Galería Corcorande Washington); Tim Anderson (ex editor en jefe de Camera Arts); Stephen Perloff (editor en jefe de Photo Review); el fotoperiodista GMB Akash, de Bangladesh; Alexander Sholtz, de la editorial y galería Vevais; Julio Hardy (director ejecutivo de The Worldwide Photography Gala Awards), y Amber Terranova (editora de fotografía de la revista PDN – Photography District News).

Los fotógrafos que participan dela Bienalson de los siguientes países: Alemania, Argentina, Australia, Austria, Bélgica, Brasil, Canadá, Croacia, Egipto, Dinamarca, España, Estados Unidos, Francia, Grecia, Holanda, Hungría, India, Irán, Israel, Irlanda, Italia, Japón, Latvia, Lituania, México, Nueva Zelanda, Noruega, Perú, Polonia, Reino Unido, Rusia, Arabia Saudita, Senegal, Singapore, Slovakia, Sudáfrica, Suiza, Turquía, y Vietnam.

Las obras –que a dichos efectos han sido donadas por los artistas- serán subastadas en el Auditorio del MALBA el 14 de Febrero de 2012, a  beneficio de la Fundación FLENIy Save the Children. La subasta estará a cargo de Enrique Scheinsohn (Galería Vermeer; VerBo Subastas). La exhibición de las obras se prolongará hasta el 27 de febrero.

     La Bienal Internacional de Fotografía Artística y Documental está organizada por The Worldwide Photography Gala Awards, ha sido declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación y tiene el auspicio de las embajadas de Alemania, Austria, Bélgica, Noruega, Perú, Dinamarca, Polonia y Finlandia. La curaduría será realizada por Virginia Fabri, del Centro Cultural Borges, y por Julio Hardy y Analy Werbin, de The Worldwide Photography Gala Awards.

Centro Cultural Borged

Viamonta y San Martín

4312-4196 / 4311-4865

La muestra está integrada por 88 fotografías que tienen un elemento unificador: la naturaleza, principal protagonista de sus fotografías. Es una sorprendente colección de imágenes que permiten al espectador hacer un memorable recorrido por el territorio mexicano.  

Javier Hinojosa nació en la ciudad de México en 1956 y estudió cinematografía y arte en la Universidad Autónoma de México y en el Instituto Nacional de Bellas Artes. En 1981 expuso por primera vez y lleva realizadas 30 muestras individuales y más de 60 colectivas en su país y en el exterior.

Ha publicado 7 libros de fotografías y sus imágenes ilustran más de 100 publicaciones sobre el arte y la cultura mexicana.

La Naturaleza amenazada

A propósito de esta muestra, producida por la Casa Amèrica Catalunya de Barcelona, dijo el autor: “Trabajo de manera intuitiva, así han ido apareciendo los núcleos temáticos de la obra. El planteamiento formal no está centrado en el paisaje, pensaría más bien que busca los paisajes dentro del paisaje. Hay una constante búsqueda de la simplicidad, de expresar lo más de lo menos pero inevitablemente hay una exaltación de la majestuosidad, esa es la realidad en nuestros países”.

Por su parte, el escritor Juan Villoro expresó: “Hinojosa se resiste a celebrar la naturaleza como un retratista de calendarios. No es un cazador de fotogénicos crepúsculos ni enternecedores pajaritos.  (…) Resalta el poderío que el mundo tiene al margen de nosotros. Si acaso se incluye en ese entrono, lo hace en calidad de sombra: retrata su silueta alargada en el suelo. En su meditación del paisaje, Javier Hinojosa revela que lo más inquietante de ese sitio es que alguien haya estado ahí. Remoto, entregado a sí mismo, el territorio es perfecto. ¿Vale la pena intervenirlo? La fotografía anuncia que lo otro, lo ajeno, puede llegar ahí. En cierta forma, es la primera señal de la amenaza.”

Al margen de sus importantes valores artísticos, la fotografía de Javier Hinojosa es, sin duda, un inestimable instrumento para dar a conocer la fragilidad de las principales áreas naturales protegidas de América Latina, en un entorno cada vez más vulnerable.

La exposición está integrada por obras recientes que permite apreciar el talento, la energía y la audacia de un artista que a lo largo de más de cincuenta años ha alimentado, en donde fuera, su excluyente pasión por la pintura.

Artista autodidacta, Rómulo Macció nació en Buenos Aires en 1931. A los catorce años empezó a trabajar en una agencia publicitaria y se especializó en artes graficas y en el diseño de escenografías teatrales. En 1956 realizó su primera exposición en Buenos Aires y desde entonces se consagró casi exclusivamente a la pintura.

En 1961 fundó con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega el grupo “Otra Figuración”, con quienes realizó luego varias exposiciones, entre ellas en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 1963, y en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, en 1965.

Su obra ha sido expuesta en el país y el exterior: Instituto Di Tella, Fundación Proa, Centro Cultural Recoleta, Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Borges; Centro de Relaciones Interamericanas, Nueva York; Museo de Arte Moderno, México DF; Museo de Arte Moderno, París. Sala Saint Jean, Hotel de Ville, París; Castello Sforzesco, Milán; Instituto Italo Latinoamericano, Roma; Museo Cuevas, México DF.

Participó reiteradamente en las bienales de San Pablo y Venecia y obtuvo, entre otros, el premio De Ridder, el Premio Internacional Torcuato Di Tella y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Plásticas.

Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Informes: 5555-5359 / 4311-4865
Horarios: lunes a sábado de 10 a 21. Domingos de 12 a 21

La muestra está compuesta de 26 obras de gran formato sobre temas de nuestra historia, realizadas sobre soporte rígido y con una técnica personal que suma collage, pigmento a la cera, resina poliéster, esmalte sintético y otros materiales, cuyas calidades le permiten lograr una composición de acentuado clima dramático.

Eduardo Faradje nació en 1957 en Buenos Aires y tuvo una rigurosa formación académica: en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova y con Osvaldo Attila, Aurelio Macchi y Guillermo Roux.

En 1986 realizó su primera exposición en la Galería Soudan y en 1988 viajó a España y se instala en Madrid, donde continúa su formación en la Academia Artaquio con el maestro Rosendo Loriente Escallada. Allí realiza copias de calcos antiguos y comienza su actividad como docente.

En 1990 retornó a la Argentina y desde entonces ha expuesto en importantes escenarios, como la Galería Zurbarán, la Galería Palatina y el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA. En 1998 realizó su primera exposición en el exterior, en la Albermale Gallery, de Londres. Entonces, el crítico de arte del diario The Independent, Richard North, escribió: “…Faradje, como los grandes pintores toma los mismos desafíos de la pintura que permanecen desde hace siglos; su perspicacia radica en transportar la vitalidad que subyace en las sombras…”

A propósito de esta muestra, escribió Elio Kaspzuk: “son collage matéricos donde Faradje se despoja de todo y se retrotrae a las fuentes antiguas y adopta la técnica de la encáustica que se caracteriza por la utilización de cera de abejas como aglutinante de los pigmentos. Hay trapos, trapos teñidos, quemados, metales. Todo colapsa y se reconstruye. Alegoría, si la hay, de este retorno vital del artista”.

Aunque se podría decir que el mejor intento por definir la pintura y el credo estético de Faradje sean sus propias palabras: “…el valor que mantengo irrenunciable es lo pictórico: no me interesa lo que digo sino como lo digo… soy un pintor que ama la pintura, y que quiere ser lo más fiel posible a su propia sensación”.

La exposición permanecerá hasta el 26 de febrero de 2012

Centro Cultural Recoleta, Sala C

Junín 1930 (C.P. 1113) Buenos Aires

Lunes a viernes de 14 a 21 hs.

Sábados, domingos y feriados de 10 a 21 hs. | Tel.: 4803 104

Se tratarán temas de gran interés para el mejoramiento de la producción agropecuaria, tales como el desarrollo de vacunas noveles para la Diarrea vírica  bovina (DVB) y Herpes virus bovino (HVB); impacto de la enfermedad y avances en el desarrollo de vacunas para el control de la Neosporosis en bovinos; como optimizar el tratamiento antimicrobiano en Medicina Veterinaria y estrategias farmacológicas para el control antiparasitario.  

El encuentro se realiza en celebración de los 250 años de la Enseñanza Veterinaria en el mundo y del Premio Fundación Bunge y Born, que se otorgó este añó por sexta vez a Ciencias Veterinarias.

Participarán de la Jornada dos de las máximas autoridades mundiales en la materia, el Prof. Luis Ortega Mora de la Universidad Complutense de Madrid, y al Prof. Pierre Louis Toutain de la Universidad de Toulouse, Francia; el Dr. Carlos E. Lanusse, Premio Fundación Bunge Born 2011, y Dr. Fernando M. Fernández, director del Instituto de Virología, CICV, del Instituto Nacional de Tecnología Agropecuaria (INTA).

La Jornada estará abierta a docentes, alumnos avanzados y profesionales veterinarios y de disciplinas afines, relacionados con la salud/producción animal, industria farmacéutica, entes oficiales y otras organizaciones. Su objetivo es generar un ámbito de actualización profesional e intercambio técnico que resulte enriquecedor para el desarrollo de la profesión veterinaria.

La exposición está integrada por una serie de pinturas sobre madera tallada –xilopintura- inspirada en los personajes y escenarios de “Los siete locos”, la novela de Roberto Arlt. Así, podrán verse imágenes que podrían ser las máscaras de Erdosain, El Astrólogo, el Rufián Melancólico, Hipólita, La Coja y otros.
Eduardo Iglesias Brickles nació en Curuzú Cuatiá, Corrientes, en 1944. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Visuales Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Se perfeccionó con Aida Carballo, de quien fue discípulo y ayudante en el taller.

Ha realizado más de treinta exposiciones individuales en importantes escenarios, como el Centro Cultural Recoleta, el Museo de Arte Moderno y el Museo Eduardo Sivori. Entre otras distinciones, recibió, además del Gran Premio de Honor mencionado, el Primer premio de los salones nacionales y municipales de grabado y dibujo y el Premio Adquisición del Museo de Arte de Lodz, Xl Bienal de Cracovia.

“La ilustración de los textos de Arlt es lo más ajeno a mis propósitos –expresa el artista a propósito de esta muestra-. Para mí, el objetivo de máxima sería capturar unos grados de la densidad de esa atmósfera de perdedores desquiciados, que deambulan por esa Buenos Aires de 1930. Allí están esos recorridos que van de Temperley a Constitución y de Once a Ramos Mejía. Aquellos pensamientos delirantes  de Erdosain en las calles del Barrio Norte, su merodeo por tugurios, estaciones de ferrocarril o concurriendo a las oscuras cantinas de la Calle Sarmiento…”

La exposición permanecerá hasta el 30 de diciembre.

Fundación Alón para las Artes

Viamonte 1465, piso 10

Tel. 4372-8810 / 5411

Horario: Lunes a viernes de 12 a 18

La exposición está integrada por una serie de obras del período geométrico del artista, realizadas durante su estadía en México.

Hacia 1963 y siendo ya un artista consagrado en Argentina, Kazuya Sakai decidió dejar atrás Buenos Aires y, luego de una breve estadía en Estados Unidos, se radicó en México hasta 1977. Su siguiente traslado fue a Texas, donde vivió hasta su muerte en la ciudad de Dallas en 2001.

Durante los años que vivió en México se producen los cambios más significativos en su obra, alejándose de los trazos libres del informalismo y gradualmente dando comienzo a una etapa de figuras geométricas angulosas y bandas contrastadas de color. Su primera exposición constituye a la vez la primera del geometrismo vista en México.

Hijo de padres japoneses, Kazuya Sakai nació en Buenos Aires en 1927 aunque vivió y se educó en Japón desde 1934 a 1951. De regreso a la Argentina, en 1952 comenzó a participar como pintor en el mundo de las artes visuales y realizó su primera exposición al año siguiente.

Desde entonces llevó adelante innumerables muestras en el país y en exterior y representó a la Argentina en la Bienal de Venecia. Integró el grupo Cinco Artistas Abstractos, junto Fernández Muro, Sarah Grilo, Miguel Ocampo y Clorindo Testa.

Entre los numerosos reconocimientos recibidos se cuentan la Medalla de oro en la Exposición Universal de Bruselas y el Primer Premio del Salón Nacional de Pintura.

La exposición permanecerá hasta el 10 de diciembre.

Galería Vasari

Esmeralda 1357 / Tel. 4327-0664 / 4328-5237

Lunes a viernes de 11:00 a 20:00

www.galeriavasari.com

Habrá narradores de cuentos, juegos, talleres, teatro, juglares y música, en una colorida fiesta organizada por Palermo Creativo, una organización libre del barrio de Palermo que une vecinos, amigos, colaboradores y locales comerciales.

La edición anterior del Festival de la Infancia convocó a más de 2.000 chicos, una cantidad que se espera superar con creces este año.

Entre los espacios que han confirmados su participación están: Divina Bolivia, taller de máscaras; Valle Tierra, teatro y laberinto; Prometeo Libros, narración de cuentos; Ofelia Casa Teatro y Natura, espectáculos.

El programa es el siguiente:

11.00 – Cuentos y Taller, realización de máscaras

Rocío Pontano.

En Divina Bolivia, Costa Rica 4670.

12.30 – Contadoras de cuentos. María Carrizo y Natalia Rodas

En Prometeo, Honduras 4912.

14.00 – Actividad recreativa: El Laberinto  Rameshdeep Kaur

En Valletierra, Costa Rica 4562.

14.30 – Narraciones “Trans Porta 2”

Luz Moyano y Lucas Spano

En Valletierra, Costa Rica 4562.

15.30 – Teatro y Música

Compañía El Juglar  Pablo y Nacho Herrero

En Natura, Uriarte 1554

16.30 – Teatro y Música.

 Compañía Mundo Arlequín

En Ofelia Casa Teatro, Honduras 4761.

El cierre tendrá lugar en la Plaza Palermo Viejo, Costa Rica y Armenia,

Este encuentro se propone también difundir la iniciativa central de Palermo Creativo, que es mejorar las condiciones de vida de las familias vulnerables a través de la creación de objetos artísticos y artesanales realizados con materiales  donados por comenciantes y vecinos del barrio.

Colaboran con el Tercer Festival de la Infancia: Clara Ibarguren; Bolivia; Cinemateca Japonesa; Emprendimientos Sustentables S.A; Natura, IRSA, Victoria Boné, Studio 54 y la familia Etcheberry entre otros.

Más información: http://palermocreativo.blogspot.com

La exhibición estará integrada por 70 fotografias capturadas a lo largo de más de cuatro décadas. Desde Muddy Waters a los Rolling Stones, de Elvis a Madonna, de Bob Dylan a Bob Marley, de John Lennon a Johnny Rotten, Bob Gruen retrató la escena musical en imágenes que le valieron reconocimiento internacional. Compartió gira con bandas punk o new wave cubriendo las mayores atracciones del rock y continua fotografiando en la actualidad a nuevos e inspiradores talentos.

Asistió a su primer concierto a la edad de 13 años, cuando el cantante folk americano Pete Seeger llegó a su escuela con mensajes de paz, amor y libertad. A partir de allí, la música con contenidos se convertiría en la favorita de Bob, para quien el rock & roll simboliza claramente un modo de expresión de los sentimientos en voz alta.

En los 60´s Gruen convivió con una banda de rock a la que fotografió para un disco, y a  partir de allí, esta pasión se transformaría en un modo de vida. Sus imágenes cautivaron a Ike y a Tina Turner, y desde entonces Bob comenzaría a acompañarlos y a fotografiarlos en sus giras.

Bob conoció a John Lennon y Yoko Ono en Nueva York en 1972, durante un beneficio llevado a cabo en el Teatro Apollo. Gruen recuerda haber tomado entonces una serie de instantáneas de John, q         uien sugirió sin mucho entusiasmo que las pasara por debajo de la puerta de su casa. Más tarde Gruen se convirtiría en amigo personal y fotógrafo de ambos, tomando imágenes tanto de su vida personal como profesional: Lennon improvisando frente al piano junto a Mick Jagger o bien Lennon jugando en la cama con su bebe Sean, fueron solo algunas de ellas.

En 1974 tomó la icónica imagen de John con una remera con la leyenda “I Love New York”, en la terraza del departamento de John de esa ciudad. En esa oportunidad estaba fotografiándolo para su nuevo Album “Wall and Bridges”. Esta imagen se haría famosa recién en 1980, cuando Gruen la seleccionó para un homenaje público a Lennon realizado en Central Park. Otra de sus imágenes famosas la tomó con Lennon frente a la Estatua de La Libertad: ambas serían dos de las más populares fotografías de John Lennon.

Como jefe de fotografía de la revista “Rock Scene Magazine” en los años 70´s, Bob se dedicó a fotografiar a aquellos grupos de rock que le resultaban más interesantes, fueran célebres o desconocidos, a quienes retrató en escenarios casuales. Así, fotografió a los Ramones en el inicio de su carrera, cuando ni siquiera podían afrontar el costo de una valija para la guitarra. Otros en cambio, ya eran famosos como Led Zeppelin, quienes posaron frente a su avión privado, un símbolo de los excesos de vida del rock de los ´70´s.

Bob trabajó con las principales bandas punk, entre ellos: los New York Dolls, The Clash, los Ramones, Blondie y The Patti Smith Group. En 1976 viajó por primera vez a Inglaterra entrando inmediatamente en contacto con la escena punk y retratando así a grupos como los Sex Pistols. Conoció por primera vez a Joe Strummer, líder de la banda The Clash, en el Club Louise y tiempo después acompañaría al grupo en dos giras realizadas por América Latina.

Fotografió además entre otros a Elton John, The Who, David Bowie, Aerosmith, Kiss y Alice Cooper. En 1989 documentó el viaje épico a Rusia del Festival para la Paz de Moscú, del cual participaron Ozzy Osbourne, Motley Crue y Bon Jovi. Durante muchos años Bob fue el fotógrafo oficial del Seminario New Music llevado a cabo en Nueva York, cubriendo decenas de nuevas bandas.

En la primavera del 2007, Bob presentó en Brasil en la Universidad de Sao Paolo una muestra de su obra titulada “Rockeros”, que atrajo 40 000 visitantes. Realizó además muestras de su obra en el Museo de Brooklyn y en el MOMA (Museum of Modern Art), además de exhibiciones realizadas en Tokio, los Países Bajos e Inglaterra.

Esta exposicion esta auspiciada por la Embajada de los Estados Unidos y curada por Virginia Fabri. La producción general del evento es de Kapow Producciones -quienes están realizando un documental sobre la vida de Gruen- y de Alexandra Telezynska.

Website: www.bobgruen.com

La muestra, curada por Cecilia Cavanagh, directora del Pabellón, está integrada por 45 obras; pinturas, dibujos, esculturas y cerámicas realizadas en diversas técnicas: acrílico, témpera, metal y resina.

Dice Cecilia Cavanagh: “En las pinturas de Juan Stoppani se observa una combinación de tintas puras, rojas, amarillas, azules, blancas y negras, en fragmentos que reinterpretan el espacio pictórico, con elementos visuales de formas redondas, cuadradas, estrelladas y líneas quebradas o serpenteadas. Su pintura deslumbra con un lenguaje visual que proviene del espectáculo y la cultura popular”.

Y continúa: “Los muñecos de tamaño magnificado y exagerado, de empalagoso dorado y plateado, evocan la fascinación de Stoppani por la decoración de las vidrieras de las jugueterías durante su infancia. En ellos abraza con espontaneidad, con toda su ausencia de reglas, su deleite en los artículos y personajes de consumo y producción masiva, el teatro, la cultura popular, lo camp y lo kitsch”.

Juan Stoppani es arquitecto por la UBA, pero desde un comienzo se inclino por el diseño de vestuario y la escenografía. Vinculado al arte pop que se nucleaba en el Instituto Di Tella, en 1964 recibió el Premio Ver y Estimar de escultura y en 1968 se integró al grupo de teatro TSE, creado por Alfredo Arias, que trabajó con base en París durante toda la década del 70.

Stoppani se radicó en París, donde, entre otras actividades, se vinculó al teatro del Museo de Arte Moderno y entre 1974 y 1989, ya desvinculado del grupo TSE, realizó vestuarios para Lavelli, Savary, Legavre, Roland Petit y Jean-Louis Barrault. Particular interés generó el telón que realizó para la obra Le Frigot de Copi, en 1984. Desde 1989 diseñó vestuarios de opera, entre ellas, Joseph (París); Le Roi Pausole (Ginebra); Simon Boccanegra (Bruselas); Cristóbal Colón (Compiegne); Madame Butterfly, El castillo de Barba Azul y La voz humana (Metz).

La muestra de Juan Stoppani, De París a La Boca, compone una escena de ingenio, un mapa del lenguaje, y un pensamiento de sucesos innovadores, que le plantean al espectador transitar lo distinguido de un artista que incursionó un sinnúmero de aspectos del arte a lo largo de las últimas cuatro décadas. Su obra, referida como arte pop, contribuye a una interpretación estilizada de la cultura popular.    

La exhibición se prolongará hasta el 4 de diciembre.

Pabellón de las Bellas Artes

De martes a domingo, de 11 a 19

Entrada libre y gratuita.

Alicia M. de Justo 1300, PB